Marino Santa María apoya sobre la mesa dos cuadernos de tapa dura y hojas lisas y un estuche de microfibras de colores. Se define como “asiduo poblador de los bares”, donde se instalaba para dibujar. El primero fue el Roma, de La Boca. Después hubo muchos billares, y ahora elige los clásicos.
Abre uno de los cuadernos, muestra su trabajo, y explica: “Estos dibujos abstractos también nacen en los bares. Los hago recogiendo fragmentos que voy conjugando. A veces de manera caótica, a veces ya organizados. Por ejemplo los respaldos de las sillas, que en este bar son horizontales, pueden formar una trama; o los óvalos de la boca de las copas. Después juego con la cuadrícula y lo transformo”. Se acerca el mozo, pide un cortado. “La otra cosa es que siempre tomo cafecito, porque el grande es como que se me escapa. Prefiero dos o tres chicos. Esto porque a los artistas nos sobra la plata”, se ríe.
Sigue pintando al aire libre porque, dice, es una de las situaciones que más enseñan. “Por la velocidad con la que tenés que tomar el momento. Y por la frescura: ves verde, buscás ese verde y lo ponés; no estás amasando un color”, explica. El otro punto es resolver la relación con el espacio, fundamental para los grandes murales. “La distancia, la iluminación, el lugar que va a ocupar el espectador”, expone.
En un repaso histórico cuenta que en Buenos Aires el arte público empieza en Caminito, con Quinquela Martín, y en los subterráneos, con las mayólicas españolas. Con la vuelta a la democracia se retoma la intervención en el subte con artistas contemporáneos, algo que se mantiene.
-¿Cuándo empezaste a mirar la Ciudad desde la posibilidad de intervenirla, interactuar?
-Sentí la necesidad de comunicar la obra de otro modo. El caballete, la galería y el museo son una parte, pero faltaba la interacción que tiene el músico. Que la obra esté con la gente y que pueda decir me gusta/no me gusta. No esa sensación de que entrás al museo y tenés que conocer desde composición, color, historia y hasta las últimas teorías filosóficas para ver una obra.
Primero fueron las fachadas del Pasaje Lanín, donde creció y hoy tiene su taller, cuando renunció a la rectoría de la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón.
-Hablemos de tu Barracas...
-Lanín es un resumen de lo que es Barracas para mí. Los primeros 50 años, mi patio de juegos. Después de hacer los murales pasa a ser el mundo que quiero pintar. Lo comparo con La Boca de Quinquela o el Punta del Este de Páez Vilaró. Quiero que Barracas sea mi gran tela, la cual sigo pintando. Lo que además es verdad porque Lanín no está nunca terminado. Le calculo dos años más. Ahora le empecé a poner las luminarias con mosaicos transparentes, con el apoyo del Ministerio de Cultura, y la idea es pasar todo a mosaico e incorporar relieves, después seguramente se me van a ocurrir los bancos y así...
Su trazo también se reconoce en los toldos de la calle Chile (San Telmo) y los pasajes Zelaya (Abasto) y Discépolo (Balvanera), entre otros puntos de la Ciudad. “Como artista me interesa ver una obra que está modificando el paisaje. Las llamo instalaciones consolidadas a diferencia del street art, que puede ser efímero. El mosaico es más estable. Y apunta a una preservación diría que de mi presencia también. Y trato de defenderlo porque dejo de hacer una obra que va al museo para que esté en la calle”, expone.
Dice que le encanta que crezcan las intervenciones en la Ciudad. Y que hay muchas obras que, a pesar de haber sido planteadas como efímeras, merecerían ser conservadas, como sucede con el trabajo de Banksy. Además de los murales y las clases en su taller, Marino trabaja en tres libros (sus famosos Gardeles, Lanín y los mosaicos) y desde hace un año dirige la Escuela Taller del Casco Histórico de la Ciudad, un espacio de formación en oficios que apuntan a preservar el patrimonio de esa zona.
Fuente: Clarin
Link: http://www.clarin.com/ciudades/Barracas-gran-tela-sigo-pintando_0_1021097970.html
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